Театр в Древней Греции
Театр (от греческого “место для зрелищ”) ‒ это вид искусства, показывающий жизнь общества через драматическое действие в ходе игры актеров перед зрителями. Сложно представить современную культуру без театра. Он прочно вошел в нашу жизнь и имеет множество поклонников по всему миру.
История театра
Современный театр берет свое начало в Древней Греции. В VI веке до н.э. в честь бога урожая и виноделия Диониса в Афинах проводились празднества ‒ Дионисии. Они сопровождались шествиями ряженых с громкой музыкой. Божеству приносили в жертву козла, при этом хор людей, переодетых в сатиров, пел песни. Отсюда пошло понятие трагедии ‒ по-гречески “песнь козлов”. Во время празднеств шумные, пьющие вино компании греков шли к алтарю Диониса, что дало название комедии, от греческого “комос” ‒ веселое шествие и “одос” ‒ песнь. Во время Дионисий в Греции ставились спектакли и проводились конкурсы актеров и поэтов.
В 534 г. до н.э. драматург Феспис добавил к хору выступление одного актера. Он читал пролог, повествующий миф о боге Дионисе. Позже Херил и Френих добавили диалоги между хором и актером, а Эсхил и Софокл увеличили количество актеров до трех. Так стало возможно развитие действия. Для спектаклей начали создавать декорации и одевать актеров в костюмы и маски.
Пьесы строились на чередовании речевых партий с хоровыми. Пролог начинал трагедию и знакомил зрителей с героями, местом действия, предшествующими событиями. Затем звучала вступительная песнь хора (парод). Далее шло чередование выступлений актеров и хора. В трагедии обязательно присутствовал коммос ‒ совместная партия актера и хора, служащая для передачи эмоционального напряжения. Завершалась пьеса эксодом ‒ уходом хора и актеров со сцены.
В один день показывали три трагедии, которые были объединены общим сюжетом. Как правило, это были мифологические события, однако в них угадывались проблемы греческого общества. В комедиях разыгрывали житейские смешные ситуации, часто это была сатира на известных лиц и политических деятелей.
Расцветом древнегреческого театрального искусства считаются трагедии Софокла, Эврипида, Эсхила и комедии Аристофана и Менандра. Античные пьесы ставятся в современных театрах и не потеряли своей актуальности.
Театральное действие в Древней Греции
Театр был очень популярен в Древней Греции. Организацией театральных зрелищ занимался один из магистратов города (архонт). Он назначал состоятельного горожанина, который должен был оплатить расходы на хор, костюмы, декорации ‒ это считалось почетным и повышало популярность спонсора среди народа. Наиболее известен был театр, построенный в Афинах. Он вмещал около 17 тысяч зрителей.
Театральные действия проходили три раза в год, во время празднования Дионисий. Это были состязания драматургов, которые должны были представить по 4 пьесы: 3 трагедии и 1 сатириковую драму. Вечером исполняли комедии. Состязания длились 3 дня, под конец выбирались победители.
Поначалу вход на представления был бесплатным для всех, позднее была введена плата в 2 обола. Со времен Перикла в казне появилась специальная статья расходов на зрелища, из которой оплачивался вход беднякам.
Люди шли на представления семьями, запасаясь на весь день едой. Приходили в театр заранее, чтобы занять лучшие места и пообщаться с соседями. На комедии не допускались замужние женщины.
Актерское мастерство и костюмы
Актером в Древней Греции мог стать любой гражданин. Это считалось почетным. В греческой пьесе было только 3 актера, поэтому часто им приходилось исполнять по нескольку ролей, переодеваясь во время представления.
Для того, чтобы их было видно издалека, актеры носили обувь на высокой подошве ‒ котурны. Под одежду надевались накладки, чтобы создать объем в некоторых местах для комического или трагического эффекта. Костюм тоже имел значение. Актеры носили хитон с длинными рукавами, спускавшийся до пола, и плащи ‒ длинные или короткие. У комедийных актеров хитоны были короткие. Цари одевали пурпурные плащи, царицы ‒ белые с пурпурной каймой. Одежда изгнанников была грязно-белого цвета, черный считался цветом несчастий. Неудачники носили синие или зеленые плащи, а счастливые люди желтые или красные. Боги или герои выступали со своими узнаваемыми атрибутами: Аполлон с луком и стрелами, Геракл с палицей и львиной шкурой, старики с посохом, цари с жезлом и т.д.
Архитектура древнегреческого театра
Орхестра
В Древней Греции театр располагался на открытом пространстве. Он представлял собой круглую площадку (орхестру) и места зрителей, расположенные полукругом на склоне холма.
Изначально орхестра представляла собой место, где приносилось жертвоприношение Дионису. Впервые она появилась у склонов Акрополя в Афинах. На ней танцевали и пели дифирамбы в честь Диониса. В центре орхестры стоял жертвенник. На его ступенях играл флейтист-авлет или стоял актер-протагонист, отвечающий хору. Жертвенник оставался на своем месте и позднее, когда уже о культе Диониса не было речи, как дань традиции.
Места для зрителей ‒ театрон
Сначала люди просто сидели на склонах холма. Позднее для них были построены сиденья: деревянные, потом каменные. Они располагались полукругом вокруг орхестры. Внизу находились места для знати, почетных граждан и жрецов. Они могли быть с каменными спинками и балдахинами для удобства. Выше находились места для “среднего класса” и наверху для бедноты. Продольные проходы (пароды) делили места на сектора и на верхние и нижние места.
Скена
В V веке до н.э. позади орхестры появляется скена. Первоначально это палатка для переодевания актеров. Позднее скена представляет собой архитектурную конструкцию, примыкающую к орхестре и изображающую храм или дворец. Она представляет собой сценический задник. По бокам к скене пристраиваются проскении для улучшения акустики. В них хранился актерский реквизит, а также они использовались в качестве декораций. Греки использовали расписные декорации и механические машины в своих пьесах. Весь театр был построен таким образом, что в нем сохранялась отличная слышимость так, что на самых высоких местах люди слышали реплики актеров.
Древнегреческий театр был уникальным явлением, оказавшим огромное влияние на мировую культуру. Основные принципы античного театра используются и сейчас в драматургии. Тогда и в наше время, театр служил подобием зеркала, в котором общество могло разглядеть свои проблемы и недостатки.
В. В. Головня.: История античного театра.
Глава IV. Постановочная техника греческого театра.
ГЛАВА IV.
ПОСТАНОВОЧНАЯ ТЕХНИКА ГРЕЧЕСКОГО ТЕАТРА
Организация театральных представлений. Актеры в греческом театре. Маски
трагических актеров. Костюмы трагических актеров. Маски и костюмы
в сатировской драме. Маски и костюмы в древней комедии
ОРГАНИЗАЦИЯ ТЕАТРАЛЬНЫХ ПРЕДСТАВЛЕНИЙ
Трагедии, как и комедии, не ставились в Греции повседневно. Тесно связанные с культом Диониса, спектакли шли только на празднествах этого бога и в его честь. В течение года справлялось несколько таких праздников, на которых и ставились драмы. Театр в Греции был государственным учреждением, и организацию театральных представлений брало на себя само государство в лице своих должностных лиц.
Следующий праздник — Ленеи — справлялся уже в самих Афинах и составлял как бы продолжение Сельских Дионисий. Ленеи праздновались в месяце Гамелионе (в январе-феврале). На них ставили трагедии и комедии. Праздник, по-видимому, был учрежден только в VI в. до н. э. при Писистрате.
Третьим праздником были Великие или Городские Дионисии, которые справлялись весной, в месяце Элафеболионе (в конце марта — начале апреля).
Это был самый блестящий и роскошный праздник в честь Диониса, справлявшийся не только Афинами, но и всей Аттикой. Море в это время было спокойным, и союзники приезжали в Пирей, привозя в казну Афинского морского союза свои взносы и товары. На второй день праздника старинная деревянная статуя Диониса в торжественной процессии переносилась из Ленея в маленький храм Диониса за городом и обратно в Леней, причем хоры пели дифирамбы в честь бога. На Великих Дионисиях шли трагедии и комедии. Почти все свои победы Эсхил, Софокл и Еврипид одержали, по-видимому, на этом празднике.
Организация драматических состязаний была доверена разным должностным лицам. На Великих Дионисиях и Ленеях распорядителями являлись высшие должностные лица государства, члены коллегии архонтов (так называемый архонт-эпоним на первом празднике, и архонт-басилевс — на втором). Постановками на Сельских Дионисиях распоряжались демархи (сельские выборные магистраты).
При постановке пьес происходили состязания драматургов. Желавший поставить свою пьесу должен был просить у архонта хор. Архонт мог дать драматургу хор или же отказать ему в этом. Это предоставление хора было первой оценкой пьесы. Принятые к постановке пьесы оплачивались за счет государства, причем некоторые авторы получали высокий гонорар. К состязанию допускались три драматурга. Каждый из них должен был представить по четыре пьесы: три трагедии и одну сатировскую драму. Три трагедии, связанные единством сюжета, составляли трилогию.
После трилогии шла сатировская драма. Сами состязания продолжались три дня. Каждый день утром играли три трагедии и одну сатировскую драму того или иного из допущенных к состязанию поэтов. Под вечер играли комедию, также представленную на конкурс. До открытия состязаний происходил так называемый проагон (то есть предварительное состязание), игравший роль отчасти извещения зрителей, отчасти генеральной репетиции. Проагон проходил не в театре, а в Одеоне. Это было специальное здание, построенное вождем афинской демократии Периклом для музыкальных состязаний.
Драматурги и дифирамбические поэты получали хор от архонта, а все издержки, связанные с обучением хора, брали на себя богатые сограждане.
Таким образом, к государственной инициативе присоединялись и частные лица. Богатый гражданин, подготовивший хор для драматических или лирических состязаний, назывался хорегом. Хорег должен был организовать хор, обучить его, одеть — и все это сделать за свой счет. Для каждого праздника назначалось от шестнадцати до восемнадцати хорегов. Каждая из десяти аттических фил (территориально-политических общин, на которые делился афинский народ) выступала с дифирамбом, который исполнялся хором из мужчин или из мальчиков. Таким образом, требовалось десять хорегов для лирических хоров. К этому числу надо прибавить трех хорегов для тетралогий и трех (а до Пелопоннесской войны даже пять) — для комедий. В хоревты (участники хора) набирали любителей, в которых Афины — при их горячей любви к драматическим представлениям и музыке — недостатка в ту эпоху не испытывали. Среди хоревтов было, вероятно, немало и подготовленных людей.
Вначале драматурги сами обучали хор, но уже очень скоро им пришлось прибегать к помощи специальных учителей хора («хородидаскалов»).
Участники трагического хора, как и хореги, считались служителями божества; хорег и хоревты но то время, пока они были заняты подготовкой к драматическим представлениям, освобождались от военной службы.
Судили на состязаниях особые выборные судьи. Порядок выбора их для нас не совсем ясен.
Для победивших драматургов были установлены три награды. Занявший на состязаниях третье место, считался, однако, потерпевшим поражение. Помимо своего гонорара автор получал от государства в качестве награды венок из плюща. На долю хорегов, которые подготовили хор для победивших драматургов, выпадала большая часть. Такой хорег имел право воздвигнуть памятник в честь своей победы. На этом памятнике писали время представления, имя победившего драматурга, название его пьесы, а также имя его хорега. Результаты состязаний вносились, кроме того, в особый протокол, который хранился в государственном архиве Афин. Записи такого рода стали позже называть дидаскалиями. Некоторые из них дошли до нашего времени, но большей частью в передаче александрийских ученых, составлявших сборники таких дидаскалий, представляющих собою один из драгоценных источников по истории античного театра.
АКТЕРЫ В ГРЕЧЕСКОМ ТЕАТРЕ
По преданию, Феспид сам был единственным актером в своих трагедиях. Партия актера, чередуясь с песнями хора, и составляла всю пьесу. Вскоре после Феспида Эсхил ввел второго актера (девтерагониста), а младший современник Эсхила, Софокл,— третьего (тритагониста). Но и после Софокла появлялись пьесы, в которых играли только два актера. Основные роли в драме исполнял первый актер (протагонист). Поэтому он один и назначался архонтом и уже сам выбирал для себя девтерагониста и тритагониста.
Следствием тесной связи театра Греции с культом Диониса, а в эпоху расцвета греческой рабовладельческой демократии и со всей общественной жизнью Афин, явилось то, что актеры пользовались в Греции большим почетом и занимали высокое общественное положение. Актером мог быть только свободный человек. Актеры, как и драматурги, принимали в V—IV вв. самое деятельное участие в общественной жизни. Их могли избирать на высшие государственные должности в Афинах и даже отправлять в качестве послов в другие государства.
Однако победителями на драматических состязаниях вначале признавались только хорег и драматург. Что касается актеров, то они в расчет не принимались. Объясняется это тем, что на первых порах драматург был единственным, а когда при Эсхиле появились два актера, то по крайней мере главным исполнителем своих произведений.
Обязанности драматурга и актера были еще тесно связанными. Однако с течением времени в связи с дальнейшим развитием театрального искусства и повышением требований к исполнительскому мастерству подобное совмещение в одном лице обязанностей драматурга и актера оказалось уже невозможным. Вместе с тем в глазах общества постепенно возрастало и значение актеров как художников, вместе с драматургом принимающих участие в создании спектакля.
Около 449 г. до н. э. на Великих Дионисиях был установлен конкурс для протагонистов трагедий. На Ленеях конкурс для протагонистов, игравших в комедиях, установили ок. 442 г. до н. э., для протагонистов трагедий — ок. 433 г. до н. э. Конкурс на Великих Дионисиях для протагонистов комедий учредили только в 325 г. до н. э.
В протоколах состязаний всегда отмечался лишь первый актер — протагонист. В надписях, относящихся к состязаниям, совсем нет упоминания о девтерагонистах и тритагонистах. Награда за исполнение роли присуждалась независимо от награды, присуждаемой драматургу. Так, например, в 418 г. до н. э. трагический актер Каллипид был провозглашен победителем, а драматург, в пьесе которого он играл, получил только вторую награду. Из некоторых надписей IV в. до н. э. мы имеем сведения о том, что каждый из протагонистов обязательно играл в одной из трагедий, участвовавших в конкурсе. Следовательно, в трилогии каждого драматурга выступали все три протагониста. Очевидно, это делалось с целью поставить драматургов в равные условия при состязании. В противном случае иногда могло бы создаться такое положение, что трагедия какого- либо драматурга больше понравится публике благодаря игре выдающегося актера.
Таким образом, наибольшее число актеров в греческой драме не превышало трех. Но так как в любой трагедии число действующих лиц больше, чем три, то одному и тому же актеру приходилось играть несколько ролей в пьесе. Впрочем, значительная ее часть проходила не перед глазами зрителя, и он получал сведения о том, что произошло за сценой, через вестников, домочадцев или слуг. Это давало возможность обойтись несколько меньшим числом актеров. Кроме того, если в пьесах были немые роли, то их исполняли особые актеры, не входившие в основной состав. Лишь в исключительных случаях в драму включался четвертый актер, что ложилось дополнительным расходом на хорега. Такой актер назывался «парахорегема» (то есть лишняя поставка хорега).
Женские роли всегда исполнялись мужчинами. Трагический и комедийный актер должен был не только хорошо декламировать стихи драмы, но уметь петь и танцевать. Кроме коммоса (лирическая жалоба, исполняемая актером и хором, или чередующееся пение двух актеров) и сольных партий (носивших название «монодий») в некоторых драмах встречается попеременное пение двух актеров — амейбейон. Самый способ речевого исполнения актером отдельных частей драмы был неодинаков. Части текстов греческих драм, близкие по своему содержанию и настроению к обыденному разговору, актеры читали.
Это называлось каталога, и обычным размером для таких частей драмы был ямбический триметр. Более оживленные места переходили в речитатив (паракаталогэ), и, наконец, в наиболее патетических местах актеры пели (мэлос).
Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали большую силу и звучность голоса, его выразительность и безукоризненность дикции и доводили до большого совершенства искусство пения. Но, кроме того, греческий актер должен был владеть искусством танца и вообще искусством движения в широком смысле этого слова, что требовало в свою очередь большой работы.
Актеры носили маски, и поэтому мимика лица как одно из средств театральной выразительности для зрителей исчезала. Тем больше должны были греческие актеры работать над искусством движения и жеста.
Маска проникла в греческий театр вследствие исконной связи последнего с культом Диониса. Жрец, изображавший божество, всегда выступал в маске. Это мы видим еще и теперь у народов, стоящих на низкой ступени культурного развития. Исполнение женских ролей мужчинами в дальнейшем развитии трагедии было дополнительным побуждением для сохранения масок.
Применение только грима не всегда могло дать желательный результат. Сами греки упоминают, что первоначально вместо маски лицо обмазывали винными дрожжами или покрывали его листьями растений. Но если происхождение маски надо искать в связи драмы с культом Диониса, то впоследствии употребление маски обусловливалось не только религиозными соображениями, но и самыми размерами греческого театра. Без маски зрители последних рядов едва ли смогли бы достаточно ясно видеть лица актеров.
Маски делались из дерева или из полотна. В последнем случае полотно натягивалось на каркас, покрывалось гипсом и раскрашивалось. Маски закрывали не только лицо, но и всю голову, так что волосы прически были укреплены на маске, к которой в случае надобности прикреплялась также и борода.
Трагическая маска снабжалась обычно онкосом (выступом над лбом, удлиняющимся кверху), который увеличивал рост актера. Высота онкоса была различной, а на некоторых трагических масках его и совсем не было.
Существует громадное количество памятников, изображающих маски древнегреческого театра: разрисованные ва- зы, статуэтки, барельефы, мозаика, резные камни и т. д. К сожалению, все они относятся не к V в. до н. э., а к более позднему времени, и на основании их нельзя получить полного представления о развитии маски от Эсхила до Аристофана. Только на основании изучения истории греческой скульптуры в V в. до н. э. можно составить приблизительное представление о масках этого периода.
Для каждой отдельной роли требовалась и особая маска. Но иногда актер, игравший одну и ту же роль, должен был менять маску, если по ходу пьесы надо было показать резко изменившееся лицо. Так, в конце трагедии Софокла «Эдип-царь» Эдип появляется Ε новой маске с выколотыми глазами и окровавленным лицом.
Вначале маски были очень простыми. Вплоть до 470 г. бессильна оживить человеческое лицо изображением душевного состояния. Она знала только одно средство выражения. Это — застывшая «архаическая» улыбка, почти гримаса, которая однообразно повторяется на всех лицах, даже на печальных. Другая характерная черта скульптуры этого времени — полихромия, то есть многоцветность, раскраска, применяемая к лицам совершенно условно.
Таким образом, лица с застывшим выражением, ярко раскрашенные в совершенно условный цвет — вот, без сомнений, общий вид наиболее древних трагических масок, которыми в 90-х и 80-х гг. V в. до н. э. пользовался и Эсхил. Но в связи с дальнейшими успехами пластики начинают изготовлять более естественные и художественно исполненные маски.
Проходят два- три десятилетия, и скульпторы умеют уже изображать на лице различные чувства, например внимание или любопытство. Но все же скульпторы остаются еще очень сдержанными в изображении страсти и боли: горизонтальная складка на лбу, несколько выступающие вперед губы, борозды, идущие вниз от носа к губам,— вот немногочисленные художественные приемы, которыми пользуются, чтобы несколько изменить спокойствие линий. Именно так мы должны, по всей вероятности, представлять себе маски в «Орестее» Эсхила (458 г. до н. э.)
КОСТЮМЫ ТРАГИЧЕСКИХ АКТЕРОВ
Мы лучше осведомлены о том, какой костюм носили трагические актеры в более позднюю эпоху. Но относительно времени Эсхила, Софокла и Еврипида наши сведения крайне скудны, а о многом приходится говорить лишь предположительно.
В своих существенных чертах одежда трагических актеров была некоторым видоизменением пышного костюма, который носили жрецы Диониса во время исполнения ими религиозных церемоний. Одна разрисованная ваза VI в. до н. э., хранящаяся ныне в музее Бонна, показывает Диониса, одетого в такой же костюм, какой будут носить в последующее время актеры в трагедиях Эсхила. Характерные черты, которыми этот костюм отличался от обыденного, следующие:
1) вместо простых прорезов для рук трагический хитон (то есть нижняя одежда, род рубашки) имел длинные рукава, доходящие до кисти руки;
2) театральный хитон опускался даже у мужчин до пят, тогда как хитон, который носили в жизни, доходил только до колен (впрочем, хитон слуг был значительно короче, чем хитон господ; эта условность уже с самого момента выхода на сцену слуги и господина указывала на различие их общественного положения);
3) пояс хитона, как правило, был высоко поднят, что наряду с необычной длиной хитона увеличивало рост актера;
4) хитоны и плащи украшались богатыми и разноцветными вышивками, чего не было на хитонах и плащах, которые носили в жизни. На театральных хитонах и плащах вышивались различные и нередко сложные рисунки — цветы, пальмы, звезды и арабески, а также фигуры людей и животных. Такой расшитый костюм изображается на одной вазе V в. до н. э., которую называют «вазой Андромеды». Этот рисунок был навеян, вероятно, представлением трагедии Еврипида «Андромеда», шедшей в 412 г.
На так называемой «вазе Медеи», относящейся к IV в. до н. э., на героине такой же хитон до пят и с длинными рукавами. Единственное различие в том, что орнамент носит в большей степени геометрический характер и не включает в себя фигур людей и животных.
Второй принадлежностью трагического костюма был плащ, отличавшийся гораздо большим разнообразием, чем хитон. Полидевк перечисляет довольно много плащей, покрой которых можно свести к двум основным видам: широким, располагавшимся складками вокруг тела (гиматий), и коротким с застежкой на плече (хламида). Никаких описаний этих плащей до нас не дошло, но уже самые названия некоторых из них свидетельствуют о блеске и богатстве их отделки. Отдельные персонажи носили, кроме того, специальную одежду.
Дионис, например, носил длинный плащ шафранного цвета, по виду совсем женский. У царей был длинный плащ пурпурового цвета. Царицы сверх хитона пурпурового цвета со шлейфом надевали белый гиматий, также окаймленный пурпуром. Одеяние богов состояло из шерстяного плаща, закрывавшего все тело. Изгнание, траур, несчастье также находили свое выражение во внешнем виде и отличиях костюма.
Одежды изгнанников, например, были белого цвета, но загрязнены от пыли и непогоды. Черный цвет обозначал не только траур, но и вообще несчастие.
Само собой разумеется, что лохмотья, в которые одевал некоторых своих героев Еврипид, были символом нищеты.
Обувь трагического актера называлась котурнами или эмбатами. В жизни это название применялось к башмакам с высокими голенищами, которые зашнуровывались спереди. Сценические котурны представляли собой род сандалий и имели толстые, состоящие из нескольких слоев, подошвы, благодаря чему увеличивался рост актера. Мы видим такой котурн на так называемом дрезденском барельефе, который относят приблизительно к I в. до н. э. Изображенный на нем актер—в котурнах, подошва которых состоит из четырех слоев. На менее высоких котурнах— актер в костюме царя на стене в Пом- пеях; оригинал этого изображения, как полагают, восходит к IV в. до н. э.
На вазе из Неаполя, где дано изображение подготовки к представлению сатировской драмы, в верхнем ряду справа и слева от сатиров — две мужские фигуры, в одной из них можно признать Геракла. Голенища котурнов расписаны, но подошвы их имеют лишь небольшие утолщения. Сама ваза относится к концу V в. до н. э. Таким образом, можно полагать, что в классическую эпоху котурны трагических актеров не были еще такими высокими, как в последующее время. Вышина подошвы увеличивалась, надо думать, постепенно в более позднюю эпоху; вероятно, у римлян обувь трагического актера превратилась в своего рода ходули (высота подошвы котурна доходила до 20 см).
Для того чтобы увеличить толщину своего тела, греческие актеры употребляли специальные подкладки или небольшие подушки, носившиеся под одеждой. Чтобы укрепить их, сверху на них надевали трико телесного цвета, плотно облегавшее тело актера. Употребление таких толщинок иногда вызывалось прямой необходимостью. Онкос и котурны, слишком удлиняя фигуру, искажали нормальные пропорции человеческого тела. Для восстановления их приходилось прибегать к искусственным приспособлениям, которые делали фигуру актера более полной.
В комедии же употребление подушек и подкладок вызывалось стремлением нарушить нормальные пропорции человеческого тела и этим вызвать смех.
МАСКИ И КОСТЮМЫ В САТИРОВСКОЙ ДРАМЕ
Действующие лица сатировской драмы разделяются на две группы. В ней выступают, с одной стороны, трагические персонажи — боги и герои. Расписная ваза Неаполитанского музея конца V в. до н. э. свидетельствует, что эти персонажи сохраняли в сатировской драме те же маски и тот же костюм, что и в трагедии. Но рядом с этими серьезными персонажами скачет веселая толпа сатиров.
Сатиры — демоны-козлы — пришли в Аттику с Пелопоннеса. В пелопоннесском дифирамбе, который дал рождение трагедии, они выступали в своем козлином облике. Но, проникнув ок. 500 г. до н. э. с Пратином в Афины, они отождествлялись с родственными демонами, аттическими силенами — демонами-лошадьми. Из смешения этих двух видов духов и возник сценический образ сатира, представляющий собой комбинацию лошади и козла с прибавлением некоторых человеческих черт.
У сатиров такие характерные черты маски: широкий лоб прорезанный одной или двумя морщинами, плоское лицо, плоский нос, взъерошенная борода, всклокоченные и густые, откинутые назад волосы. Козлиные рога исчезли. Костюм сатиров составляли штаны из козьей шерсти с лошадиным хвостом сзади и огромным фаллом впереди. Туловище, затянутое в трико телесного цвета, казалось голым.
МАСКИ И КОСТЮМЫ В ДРЕВНЕЙ КОМЕДИИ
Задачей большей части масок древней комедии было вызвать смех. Другими словами, они были карикатурны. Некоторое исключение составляли только маски молодых женщин.
Кроме вымышленных персонажей поэты древней комедии выводили на сцену и своих современников. Так, у Аристофана в числе действующих лиц выводятся драматурги Эсхил и Еврипид, демагог Клеон, философ Сократ, стратеги Никий и Демосфен. Маска в таких случаях была обычно шаржированным портретом. Так, трагический поэт Агатон, известный своей изнеженностью, появлялся на сцене в женской маске.
Были также и фантастические маски. В комедии Аристофана «Ахарняне» персидский посол, именуемый «Оком царя», как бы оправдывал свое официальное наименование единственным огромным глазом, который, собственно, составлял все его лицо. Костюм древней комедии не был описан ни одним из дошедших до нас античных писателей.
Единственные прямые сведения, которые мы имеем, это несколько случайных указаний, рассеянных в пьесах Аристофана. На основании этих указаний можно сделать такие выводы:
1) в одной сцене «Лягушек» Дионис назван «толстобрюхим », что указывает на фальшивые животы, применявшиеся в древней комедии;
2) несколько мест из Аристофана свидетельствуют, что все персонажи мужского пола имели кожаный фалл;
3) из последнего указания с необходимостью вытекает другой вывод, а именно, что хитон комедийных актеров был непристойно короток.
Эти сведения о масках и костюмах, почерпнутые из комедий Аристофана, могут быть значительно пополнены рисунками на вазах и статуэтками, изображающими актеров комедии. Иллюстрация на стр. 62 воспроизводит такую статуэтку: вытаращенные глаза, безобразный нос, широко открытый рот; живот и зад непропорционально увеличены; хитон жесткий, по-видимому, из кожи, и такой короткий, что оставляет открытыми ягодицы и фалл.
Хор в комедии также выступал в масках и костюмах. Он мог изображать людей разного социального положения, разных занятий и возрастов — всадников, крестьян, ремесленников, стариков, старух и т. д. Кроме того, в древней комедии широкое распространение получили хоры, участники которых были одеты животными или какими-нибудь фантастическими существами. Так, у Аристофана танцуют хоры птиц, ос, облаков. Во всех этих случаях хоревты носили соответствующие костюмы и маски, которые ведут свое происхождение от костюмов и масок, употреблявшихся участниками комоса (веселое пьяное шествие — не путать с коммосом!) на сельских празднествах в честь Диониса.
На пяти аттических вазах, относящихся приблизительно к 500 г. до н. э., мы действительно видим участников праздника, которые веселятся с флейтистом во главе. Одни одеты какими-то птицами, другие — всадниками, скачущими на лошадях и дельфинах. Один из этих рисунков изображает хор всадников, причем каждый хоревт едет на спине своего сотоварища, который носит конскую маску и, кроме того, имеет хвост. Хоревт-конь наклонился вперед и опирается руками на колена, чтобы лучше держать на спине хоревта-всадника.
Примечания.
1. Представление об этом празднике дает комедия Аристофана «Ахарняне». 2. Леней — округ Афин.
3. О. Navarre, Le théâtre grec, 1925, р. 190.
